ジャズや映画について綴ったブログ My Favorites

　アート・ペッパーの作品は本ブログですでに5作品についてご紹介していますが、その絶頂期の典型的な演奏に聞かれる陰影に富んだ麗しいフレージングと品格あるブルース・フィーリングなどはまさに天才的と言えるものですし、いつ聞いても痛く感激させられるのです。本作はペッパーが得意とするミディアム・テンポやラテン味の愛すべき歌曲が並んでいまして、ペッパーのアルト・サックスの妙技を構えることなく寛ろいで楽しむにはもってこいの素敵な内容です。ピアノのカール・パーキンスもきりりとメリハリある好サポート。そのピアノの音色が適当に重くてバランスのいいのも高評価に寄与しています。

　やっぱりアート・ペッパーっていいですね、と久しぶりにじっくり聴き入りますと心がじんわり溶けて心底にそう思えるのです。露骨な甘っちょろい主題メロディもペッパーの自在なアルトにかかりますと、決して俗に流れずに香り高い芳香となって訴えかけてくるのですね。まるで魔法のようです。それにしましても56年後半から57年前半にかけて地元米西海岸の小レーベルに次々に吹きこまれたアルバム群を眺めてみますと、どれもこれも名品ばかりなのには驚かされます。

①The Return of Art Pepper (Jazz West) 1956.8.　
②Marty Paich Quartet Featuaring Art Pepper (Tampa) 1956.8～9.
③Playboys/Chet Baker & Art pepper 1956.10.
④Art Pepper Quartet (Tampa) 1956.11.　
⑤Modern Art (Intro) 1956.12～57.1.　
⑥Art Pepper Meets the Rythm Section (Contemporary) 1957.1.　
⑦The Art of Pepper (Omegatape) 1957.4.

　この時期のペッパーは、麻薬が原因の2年間の服役から復活した時期に当り、それまでの不遇をぬぐい去るような快演を繰り広げています。特に本作は力みがないというか、実に抜けがよくてしかも切れ味抜群の演奏になっていまして、何気なく聞くにはもってこいのお気軽で明朗なジャズに仕上がっています。スローなバラッドよりも快調なミディアムからアップ・テンポの演奏に魅力があります。有名過ぎる⑥ミーツ・ザ・リズム・セクションや⑤モダン・アートのアート・ペッパーがちょっと「よそ行き」のペッパーだとすれば、こちら⑦本作はずっと身近なアルト吹きの兄さん的雰囲気ですよ。

　付言すれば、カール・パーキンスのピアノが小気味よくスインギーで実にいい味わいであることです。幼い頃に左手が不自由になって左はコードしか弾けないにもかかわらず、その独特の奏法から生み出される演奏にはジャズ・テイストが横溢しています。リーダー作の「イントロデューシング」やサイドメンとしては本作以外にもクリフォード・ブラウン&マックス・ローチ・クインテットの『イン・コンサート』があります。惜しくも自動車事故で29才で夭逝。

　全12曲。7曲目 Summertime や11曲目 Breeze and I らのべたっとした曲調ながらその美味を味わい尽くす処理具合、9曲目 Body and Soul での哀感の中に力ある生命力を感じさせる豊かな表現などは素晴らしい。また、例えば、5曲目 I Can't Believe That You're in Love With Me や10曲目 Without a Song での主題の紹介やその後の展開部分に耳を傾けますと、その底知れぬ表現力の深味に恐れ入ります。麗しい音色で媚態を誇示するような吸引力。アニダ・オデイが何気なく歌いながらテクニックと色香発散を周到に計算駆使しているような具合です。

1. Holiday Flight
2. Too Close for Comfort
3. Long Ago (And Far Away)
4. Begin the Beguine
5. I Can't Believe That You're in Love With Me
6. Webb City
7. Summertime
8. Fascinating Rhythm
9. Body and Soul
10. Without a Song
11. Breeze and I
12. Surf Ride

Art Pepper(as), Carl Perkins(p), Ben Tucker(b), Chuck Flores(ds). Recorded in LA, on April 1, !957.

詳しくはアマゾンでどうぞ。→ Art Pepper/The Art of Pepper

関連エントリはこちら。
　→アート・ペッパー/モダン・アート
　→アート・ペッパー/ザ・リターン・オブ・アート・ペッパー
　→アート・ペッパー/ジ・アート・ペッパー・カルテット
　→アート・ペッパー/ミーツ・ザ・リズム・セクション
　→アート・ペッパー/ゲッティン・トゥゲザー
　→カール・パーキンス/イントロデューシング

　モダン・ジャズ・カルテットのジャズは室内楽のようなアンサンブルが魅力ですね。ミルト・ジャクソンのグルーヴィーな感性が大のお気に入りの私にとっては少々物足りないところではありますが、本作は結成まもなくメンバーもやっと固定した時期ですので、後年の特徴がやや希薄でミルト・ジャクソンのいぶし銀のような演奏に満足できる一枚です。

　本作が録音された1955年は、ミルト・ジャクソンにとって絶好調の年だったに違いありません。名作ぞろいです。

①｢ジャンゴ｣1955.1.9. ミルト・ジャクソン(vib)、ジョン・ルイス(p)、パーシー・ヒース(b)、ケニークラーク(ds)
②｢Classic Concepts｣1955.1.20～30. ミルト・ジャクソン(vib)、ジョン・ルイス(p)、パーシー・ヒース(b)、ケニークラーク(ds)
③「ミルト・ジャクソン・カルテット」1955.3.20. ミルト・ジャクソン(vib)、ホレス・シルバー(p)、パーシー・ヒース(b)、コニー・ケイ(ds)
④｢コンコルド｣1955.7..2. ミルト・ジャクソン(vib)、ジョン・ルイス(p)、パーシー・ヒース(b)、コニー・ケイ(ds)
⑤｢マイルス・デイヴィスとミルト・ジャクソン Quintet/Sextet｣1955.10.28. マイルス・デイヴィス(tp)、ジャッキー・マクリーン(as)、ミルト・ジャクソン(vib)、レイ・ブライアント(p)、他
⑥「オパス・デ・ファンク」1955.10.28. ミルト・ジャクソン(vib)、フランク・ウェス(ts,fl)、ハンク・ジョーンズ(p)、エディ・ジョーンズ(b)、ケニー・クラーク(ds)

　全6曲。まず、2曲目 All of You の静的な佇まいがいいですね。ミルト・ジャクソンのまさにグルーヴィーなヴァイブが堪能できる演奏です。最初は音少なく静かに始まり、徐々に熱くなって多弁になりゆくスイング感にはさすがにジャズの醍醐味が感じられます。5曲目 Softly, As In a Morning Sunrise は後にMJQの重要なレパートリーになりますが、最初の出だしはすでに独特のアンサンブルが成り立っており、その後には渋くて苦みばしった素敵なブルース演奏が繰り広げられます。

　4曲目のガーシュイン・メドレーではジョン・ルイスの静楚なピアノがいい味わいです。ミルト・ジャクソンも戸惑い気味なのかなと思わせるような少し違和感のあるやりとりです。不思議な音の組み合わせもありまが、ジョン・ルイスの洗練された音選びと稟とした涼やかな指使いがぞくっとするような素敵な瞬間を生み出しています。

　MJQといえば、20年以上前にMJQ来日公演を大阪フェスティバルホールに聞きに行った覚えがあります。当時ジャズ・ファンではあるもののMJQはあまり好んで聞いていなかったのですが、会社の先輩に強引に連れられて行ったようです。会場にはその先輩の父上と先輩の奥さんの妹さんが一緒にいらっしゃってまして、どうもその妹さんのパートナー探しというかなんかそんな作戦にまんまと乗っかっている自分の置かれた状況を感じるのでした。雰囲気を察知した私は一番前の席（壁が立ちはだかって見えにくい）だったこともあってかMJQの演奏に身が入らずほとんど記憶に残らなかったのでした。

1. Ralph's New Blues
2. All of You
3. I'll Remember April
4. Gershiwn Medley: Soon/For You/ Forevermore/Love Walked In/ Our Love is Here To Stay
5. Softly, As In a Morning Sunrise
6. Concorde

Milt Jackson (vib), John Lewis (p), Percy Heath (b), Connie Kay (ds).
Recorded in New Jersey, on July 2,1955.

詳しくはアマゾンでどうぞ。→ MJQ/Concorde

iTunes Store では試聴可能です。→MJQ/Concorde

関連エントリはこちら。
　→ミルト・ジャクソン/ミルト・ジャクソン・カルテット
　→ミルト・ジャクソン/オパス・デ・ジャズ

　レッド・ガーランド（1923-1984）のピアノはブロック・コードを多用することも特徴ですが、玉を転がすようなタッチがより印象的で、繰り出されるグルーヴィーな乗りと愛らしい歌心は忘れがたいものがあります。本作は、1955年にマイルス・デイヴィスの著名なクインテットに参加して好評を博した直後の1956年プレスティッジ・レーベルの専属となって3枚のリーダー作を残すことになる最初の1枚。「ア・ガーランド・オブ・レッド」、「レッド・ガーランズ・ピアノ」、3枚目が名高い「グルーヴィー」です。

　レッド・ガーランドのレッドは愛称で、ピアニストとしての修業時代に自分を目立たせるために髪の毛を赤く染めていたことから付けられたとのこと。また、ジャズ・ミュージシャンになる前はボクシングをやっていたけれど、人が良すぎてボクサーに向かないと断念したとか。

　全8曲。最後の Blue Red のみガーランドのオリジナル、他はスタンダード曲で、玄人好みのする好ましい選曲と思われます。渋い演奏が並びます。2曲目 My Romance や6曲目 Little Girl Blue のリリカルなバラッド演奏が素敵です。シングル・トーンが限りなく優しくかつ美しいですね。

　5曲目 September in the Rain や1曲目 A Foggy Day などのミディアム・テンポの演奏も小気味よくていとてもいい具合ですね。当時のマイルス・グループの雰囲気そのものです。4曲目 Makin' Whoopee と8曲目Blue Red はブルース演奏、その得意なグルーヴィーなセンスが光ります。

　共演のポール・チェンバースは当時のマイルス・バンドの同僚、アート・テイラーはプレスティジの専属ドラマーのような存在、いずれも当時の共演者として理想的です。チェンバースの好調なベース・ソロが随所に聞かれます。また、プレスティジの音はブルーノートと明らかに違ってピアノの高音がクリアでいいです。

1. Foggy Day
2. My Romance
3. What Is This Thing Called Love?
4. Makin' Whoopee
5. September in the Rain
6. Little Girl Blue
7. Constellation
8. Blue Red

詳しくはアマゾンでどうぞ。→ Red Garland / A Garland of Red

関連エントリはこちら。
　→レッド・ガーランド/グルーヴィー
　→マイルス・デイヴィス/クッキン
　→マイルス・デイヴィス/ラウンド・アバウト・ミッドナイト

　ミンガスは50年代半ばから60年代前半を通じて多くのリーダー作を残していますね。50年代だけでも、ざっと挙げてみますと、1956年「直立猿人」、57年「道化師」、「ミンガス・スリー」、「メキシコの想い出」、「イースト・コースティング」、58年「The Werry Blues」、59年本作「ジャズ・ポートレイツ」、「ブルース＆ルーツ」、「ミンガス・アー・アム」、「ミンガス・ダイナスティ」と、いずれも聞きごたえのある濃い内容のアルバムばかりですね。

　ミンガスは一ベース奏者というよりまさにクリエイターなのですね。あくまでリーダーとして、メンバーを集めグループを率いて自分が納得できるジャズを作ってゆくというスタンスです。ですので、アルバムの内容に統一感があったりしますね。この時期のジャズでは非常に稀なケースであり先進的であったと言えるでしょう。また、デューク・エリントンを尊敬していたということですが、まさにスモール・エリントン楽団を目指していたのでしょう。
　
　ただ、本作「ジャズ・ポートレイツ」は、当時ジャズ・ワークショップという形のセッションを定期的に聴衆の前で行っていたものを録音したもので、思想性のあるものもでなく、スタンダード曲を演奏した、この期に通常よくみられるジャズ・アルバムの体裁です。でも、そこはミンガス音楽ですので、それなりに聞かせどころがありまして、本作の場合は、ジョン・ハンディのアルト・サックスの旨みにあろうかと思います。

　ミンガスの音楽では、多くの場合フロントにトランペット、トロンボーン、サックスを配するのですが、その中でやはりサックスに重きが置かれているように思われます。サックスはハードバップ含むモダンジャズにおいて最も説得力のある楽器に違いありません。ミンガスがサックス奏者に求めたことはさぞ厳しいものであったと思われます。

　J. マクリーン、J.R. モンテローズ、S. ハディ、J. ハンディ、B. アーヴィン、E. ドルフィー、Y. ラティーフら次々に多くのサックス奏者が入れ替わり参加していますが、いずれもクセがあるものの力量のあるサックス奏者ばかりで、ここぞという時に印象的なアドリブ・ソロを決めていますね。よりよいものを作るためにテイクを何度も重ねたと言われるミンガスのアルバム制作ですが、アドリブにおける即興性の醍醐味だけは演奏者の実力に依存せざる得なかったのでしょう。

　本作のフロントはジョン・ハンディのアルトとブッカー・アーヴィンのテナーですが、ジョン・ハンディのアルトが抜群にいい具合です。J. ハンディは59年のミンガス・アルバムにほとんど参加し、60年にエリック・ドルフィーが参加するまでミンガスのグループに属していました。その音色はジャッキー・マクリーンのように角ばっていて適度にしなやか、しかもフレージングが流麗でジャズテイストに溢れています。

　全4曲。2曲目スタンダード・バラッド I Can't Get Started でハンディのそんな素晴らしいソロが聞かれます。4曲目の Alice's Wonderland においても、リリカルながら単調にならないスリルある演奏を繰り広げていまして、ミンガスの期待に十分応えたであろうことが容易に想像されます。しばらくの間とはいえレギュラーの位置を占めたことも頷けます。

1. Nostalgia in Times Square
2. I Can't Get Started
3. No Private Income Blues
4. Alice's Wonderland

詳しくはアマゾンでどうぞ。→ Charles Mingus / Jazz Portraits

関連エントリはこちら。
　→チャールズ・ミンガス/直立猿人
　→チャールズ・ミンガス/メキシコの想い出
　→チャールズ・ミンガス/ミンガス・アー・アム

　ハードバップを無性に聞きたくなるときって突然ふいにやってくるものですね。シミー・スミスのオルガンはよくスイングするし適度なグルーヴ感があるので最初の1発目には最適です。本作は、当時気鋭のアルト奏者ルー・ドナルドソンとギターのケニーバレルが参加して典型的なハードバップ作品に仕上がっています。

　ジミー・スミス（1925-2005）は50年代ブルーノート・レーベルの看板アーティスト、リーダー作が10枚以上あります。オーナーのアルフレッド・ライオンに大変に気に入られていたようですね。ジャズのオルガンは普通ハモンド・オルガンなのですが、手だけでなく足も使ってベースの役割も自分でしますので、通常ベース奏者の参加が必要ありません。

　全4曲。快調な演奏です。全体にルー・ドナルドソンの明るいアルトの響きとジミー・スミスとケニー・バレルのブルージーな演奏が印象的です。3曲目ブルース曲 All Day Long でのドナルドソンのアルトがチャーリー・パーカー直系の明朗なフレージングでいい具合、続くバレルのギターが流石に渋いジャズ的雰囲気を醸します。スミスの長いソロもジャス・オルガンの魅力を伝える本領発揮の演奏です。

　4曲目 Yardbird Suite は心地よいミデイアム・テンポのパーカーの曲。やはりドナルドソンが先頭を切ってクリアでシャープな短いソロを聞かせたのち、バレルが技巧を凝らしたスインギーなソロを披露、続くスミスも負けずと余裕のある愉快なソロを示してくれます。2曲目 There's A Small Hotel は、私などはすぐにクロード・ソーンヒル楽団のほのぼのとした演奏を思い出してしまいますが、ここでは、スミス、バレル、ブレイキーのトリオによる地味ながら味のある演奏がじっくりと堪能できまして、その雰囲気は実にいい感じなのです。おまけ的にアート・ブレイキーの豪快なドラム・ソロも久しぶりにたっぷりと聞きました。

1. Summertime
2. There's A Small Hotel
3. All Day Long
4. Yardbird Suite

詳しくはアマゾンでどうぞ。試聴も可。→ Jimmy Smith / At The Organ Vol.1

　ミシェル・ペトルチアーニ（1962-1999）こそはもっともっとじっくりと聴き深めたいアーティストの一人なのです。その卓越した技量に裏打ちされた独自の美的センスとモダンジャズの枠を超える音楽性について私なりにいつか全貌を明らかにしたいと思わせる魅力を感じています。

　ペトルチアーニの音楽にはまだ十分に接しているとは言えない自分ですが、ジャズ・ピアノの歴史に足跡を残す一等星であることは誰しも認めるところに違いありません。バド・パウエル（1924-1966）、ビル・エヴァンス（1929-1980）というモダン・ジャズピアノ・ジャイアンツ亡きあとの80年代以降、チック・コリア、キース・ジャレット、エンリコ・ビエラヌンティ、ブラッド・メルドーはじめ多くの優れたピアニストが乱立する中で、ペトルチアーニこそはその正統的後継者の筆頭格ピアニストであとうとも。

　骨形成不全症という先天的疾患により1mほどの身長で、20歳までしか生きられないと言われたハンディのある身体で、ピアノという大きな楽器にしがみつくように繰り出されるそのピアノの音色は、その姿を容易には想像させない人並み優れて強靭でクリア、かつ表現力に富んだ音なのです。36年という短い人生をジャズ・ピアノにまさに全身全霊を傾けたであろう忘れがたい芸術家だと思います。バド・パウエル41歳、エヴァンス50歳、ペトルチアーニ36歳、偉大なピアニストは皆そろって夭逝ですね。

　いわゆる駄作のない、いつでもどこでも最上の音楽を提供できるア－ティスト、そうした基礎力のあるジャズマンはライブ演奏でこそ本領を発揮します。ペトルチアーニも優れたライブ盤が数多くありますが、本日取り上げた作品はスタジオ録音、幅広い彼の音楽性を的確に示す最良の一枚。ジャズ臭さを感じさせないスマートでお洒落な一枚です。シンセやパーカッションが加わり、これぞ極上のフュージョン音楽なのです。

　フュージョンといってもペトルチアーニのジャズには魂のこもったピアノ・インプロヴィゼーションが満載ですので、モダン・ジャズ・ファンも納得できる内容です。アコースティックなシンプルなモダン・ジャズがお好みの私にとりましてはいささか違和感は否めないものの、エレクトリック・ベースの存在感やドラムとパーカッションの激しいリズムに刺激が強すぎると怖れつつ、シンセによるふくよかなバッキング・コーラスの美的雰囲気には完全に嵌ってしまうのですね。

　全11曲。美しいメロディと明晰なビート、自由に駆け回るピアノには心地よい音楽が持つべき魅力が満ち溢れています。2曲目の Home が特にお気に入り。シンセサイザーがその無限の音宇宙にさらなる奥行きを与えているかのようです。昔よく聞いたクロスオーバーイレブンというＦＭ番組、就寝前の癒しタイムによく耳馴染んだ音世界そのものです。

　3曲目 P'tit Louis と5曲目 Rachid は本来というか従前のビビッドなアコースティック・ピアノ・ジャズ。ペトルチアーニの素敵なピアニスティックな感性を味わうことができます。やっぱ落ち着きます、こういうのが安心でいいなと。それにしてもペトルチアーニの作曲の才も褒め称えるべきですね。1曲目 September Second も彼の代表的名作、淀みのないピアノ演奏も緊張の持続する素晴らしい内容です。

1. September Second
2. Home
3. P'tit Louis
4. Miles Davis' Licks
5. Rachid
6. Brazilian Suite #3
7. Play School
8. Contradictions
9. Laws of Physics
10. Piango, pay the man
11. Like that

iTunes Store では試聴可。→ミッシェル・ペトルチアーニ/プレイグラウンド

詳しくはアマゾンでどうぞ。試聴可。→ Michel Petrucciani / Playground

関連エントリはこちら。
　→ミシェル・ペトルチアーニ/ピアニズム
　→ステファン・グラッペリ&ミシェル・ペトルチアーニ/フラミンゴ

You Tube からアンソニー・ジャクソンとスティーブ・ガットとのトリオ演奏の画像をアップしておきましょう。ペトルチアーニのピアノ演奏はジャズの醍醐味をよく伝えています。

　バド・パウエル（1924-1966）の全盛期は1950年前後の47年から53年くらいとよく言われますね。神がかり的で天才の芸術と呼ぶにふさわしい真摯なジャズ・ピアノ。ブルー・ノート、ルーレット、ヴァーブに残されたそれら切れ味鋭く一種近寄りがたい凄味あるピアノには私も畏敬の念を抱き続けています。例えば、「アメジング・バソ・パウエルVol.1&2」や「バド・パウエルの芸術」などで聞かれる張りつめた隙のない演奏には天才的なきらめきが感じられます。特に私のお気に入りは前者に収められたYou Go to My Headでのホーンライクでアイデアに富んだドライブ感ある長いアドリブ演奏なのです。

　60年代の晩年と言っても30歳代後半ですが拠点をNYからパリに移した時期の演奏には、それを枯れたと表現するのかもしれませんが、そうした鋭利な刃物が鈍器になりつつもその分使い勝手がよくなったとでも言えるような、身近な親しみが感じられます。本作品は58年の録音で、そこに至る過度期の演奏を聞くことができると言えましょう。ブルース中心の選曲で、ハードドライビングな心地よいアドリブを堪能することができます。

　全9曲。すべてバド・パウエルの作曲です。1曲目のクレオパトラの夢が特に有名です。マイナーで哀愁あるメロディが日本人の好みに合うとか。でもなぜか私はこの種の演奏に不感症なのです。マル・ウォルドロンの有名なマイナー曲もそうです。むしろ主題メロディはいくぶん陳腐でもパウエル独特のアドリブが冴え渡る2曲目、3曲目、8曲目が好みです。そのぐいぐいと引き込むようなシングルトーンの連なり、いつまでも尽きることなく紡ぎ出されるメロディによるトランス状態、その魅力的な演奏に圧倒されます。

　気になるのはピアノの音です。骨太で重い独特の響きは決して美音ではありませんが中音域が張り出す音には力が感じられます。現代のような広い帯域を示す繊細なピアノ音とは全く異なるものです。ルディ・ヴァン・ゲルダーによるこの時期のブルーノートのピアノの音はすべてこの音なのですね。これはこれでパウエル流のジャズ・ピアノの魅力を的確に伝えてくれるものと信じます。ちなみにジャケットに写る少年はパウエルの息子ジョン3歳。

1. CLEOPATRA'S DREAM
2. DUID DEED
3. DOWN WITH IT
4. DANCELAND
5. BORDERICK
6. CROSSIN' THE CHANNEL
7. COMIN' UP
8. GETTIN' THERE
9. THE SCENE CHANGES

　
iTunes Store では試聴可です。→Bud Powell / The Scene Changes

詳しくはアマゾンでどうぞ。→ Bud Powell / The Scene Changes

関連エントリはこちら。
　→バド・パウエル/バド・パウエルの芸術
　→バド・パウエル/アメイジング・バド・パウエル Vol2
　→バド・パウエル/ポートレイト・オブ・セロニアス
　→バド・パウエル/イン・パリ
　→ソニー・スティット/スティット、パウエル&JJ
　→チャーリー・パーカー/ジャズ・アット・マッセイ・ホール

　ソニー・ロリンズの60年以降のアルバムは実は日常的に聞く対象ではないですし、ほとんど感心して聞いたことがないというのが正直なところですが、本作に限っては、ロリンズのテナーが以前の自信に満ちた豪快かつ流暢なものとは言えないものの、マイペースでバッキングを無視したように吹きまくるアドリブには流石にロリンズの魅力を感じるのですね。それに、サイドメンのケニー・バレルとロジャー・ケラウェイがとてもいい味を出していることも印象に残るものです。

　不安定であいまいに聞こえる吹奏はジャズ潮流が急激に変わる中でロリンズがロリンズなりにその流れに乗ろうともがき苦しんでいるようにも聞こえます。50年代後半の演奏が金字塔のように確立されたものでありあまりに素晴らしいものだっただけにその呪縛から逃れることは容易なことではないのでしょう。まあでも、そういう歴史的なことは音楽を楽しむ分には実はどっちでもよいことであって、本作を前提なしで純粋に聞く分にはメロディよく快調なアドリブの続く楽しいジャズそのものなのですよ。

　あと、オリバー・ネルソンのアレンジするサウンド自体は何やら行儀よすぎるのか私にはいまいちのめりこめないところがあります。あの著名な｢ブルースの真実｣では、エリック・ドルフィーの参加によってその律儀なブルースに自由な即興性の遊びというか醍醐味が加わることで妙なバランスの良さがありましたっけ。

　その意味ではロリンズが生来持つ奔放さが同様な作用を及ぼすかと思いきや、どうもどこまで行ってもなじまない水と油という感じがするのです。恐らくはロリンズというアーティストはリズム隊以外のサイドのサポートをプラスに受けるタイプではなくて、いつも自分の独自のインプロヴィゼーションのみで聞くものを圧倒するタイプなのでしょう。

　全6曲。表題曲の1や6では、魅惑のテーマメロディが魅力的な上にロリンズの豪快なソロがなかなか冴えています。ケニー・バレルのブルージーなギターがいいアクセントとして効いていますね。静かな雰囲気の2曲目ではロリンズのソロに深みある味わいがあっていいですし、続くケラウェイのピアノも内省的かつ可憐で素敵です。

　4曲目のブルース、ここでのバレルのギター・ソロにはいつも感激させられます。流石の完璧なプルース演奏。クールでモダンな響きがイカしてます。その後のロジャー・ケラウェイのソロもバレルに感化されたのか実にいい具合で何やら新鮮な感覚がありますね。最後に満を持して出てくるロリンズのテナーが短いながらパッションに溢れています。

　5曲目のジャズ・ワルツ風アレンジでのロリンズが本作では一番の好みかもしれません。安心して耳を傾けられる類の力を少し抜いたロリンズ節なのです。そのリズムに乗った自在のインプロヴィゼーションは実に魅力的。曲自体の楽想にほのかにショーター音楽の影を感じるのは自分だけではありますまい。

　それにしましても、サイドメンの存外のいい演奏に出会うことは往々にしてよくあることですが、本作のケニー・バレルとロジャー・ケラウェイには本当に感激させられます。ロジャー・ケラウェイというピアニストは、私にとってはシンガーズ・アンリミテッドとの共演盤があまりに印象深く、本作のようにブルース主体の演奏でこんなにいい味が出せるピアノであったことは嬉しい発見ではありました。

1. Alfie's Theme
2. He's Younger Than You Are
3. Street Runner With Child
4. Transition Theme for Minor Blues or Little Malcolm Loves His Dad
5. On Impulse
6. Alfie's Theme Differently

iTunes Storeでは試聴できます。→Sonny Rollins/Alfie

詳しくはアマゾンでどうぞ。→ Sonny Rollins / Alfie

関連エントリはこちら。
　→ソニー・ロリンズ/ヴィレッジバンガードの夜
　→ソニー・ロリンズ/ウエイ・アウト・ウエスト
　→ソニー・ロリンズ/ソニー・ロリンズVol.2
　→ソニー・ロリンズ/テナー・マッドネス
　→ソニー・ロリンズ/サキソフォン・コロッサス
　→オリバー・ネルソン/ブルースの真実
　→シンガーズ・アンリミテッド/ジャスト・イン・タイム
　→ケニー・バレル/ミッドナイト・ブルー
　→ケニー・バレル/アット・ザ・ファイブ・スポット
　→ジョン･ジェンキンス/ジョン･ジェンキンスとケニー・バレル

　アントニオ・カルロス・ジョビンの作った曲は何て素晴らしいのだろうと思いつつボサノヴァの調べに癒される日々を過ごしています。ジョビンのボサノバは私にとって死ぬまでいつも身近に付き合うことになる音楽に違いありません。ジョビンの曲はインストルメンタルやジャズももちろんいいですが、ボーカルものがやはり耳障りがよくって日常的に聞くことになります。ジョビン本人の歌も悪くないけれど、できれば女性歌手が情緒があってお好みです。

　ガル・コルタの声質に近頃は嵌っていまして、私の中ではエリス・レジーナやミウシャらのお好みのボサノバ女性歌手と肩を並べる存在です。本アルバムはガル・コスタがジョビンと共演した貴重な作品です。この時期のジョビンはパンダ・ノーヴァという女性コーラスをフィーチャーしたバンドを組んで米はじめ日本などでのコンサート・ツアーに回っていました。本作はLAでのライブで、ガル・コスタをゲストに迎えたものです。

　この1年くらい、6曲目のAnos Dourados という小粋で洒落た曲に痺れ続けていまして、iPodで何度も繰り返し聞いています。今回YouYubeで調べましたら、下にアップした通り、幸運にも同演奏の動画が見つかりました。シンプルだけど素敵で可憐なメロディはガル・コスタの声にとってもマッチしているように思えます。あと、4曲目ジンジや10曲目ソーホーのサンバ、11曲目 Sabia も同演奏の動画がありましたが、ここではアップしていません。下にジンジをアップしていますが、これはまた異なるジンジです。

　ただ、ガル・コスタが歌う曲は全14曲中の4曲ほどで、他はジョビンがピアノを弾きながらボーカルもとっています。ガル・コスタはゲストの扱いなのだというのがよくわかります。

1. One Note Samba ワン・ノート・サンバ
2. Desafinado デザイフィナド
3. Agua de Beber おいしい水
4. Dindi ジンジ (Vocal; Gal Costa)
5. Wave 波 (Vocal; Gal Costa)
6. Bolero (Anos Dourados) 黄金の歳月 (Vocal; Gal Costa)
7. Gabliera ガブリエラ (Vocal; Gal Costa)
8. Chega de Soudade 想いあふれて
9. Two Kites トゥー・カイツ
10. Samba Do Soho ソーホーのサンバ
11. Sabia サビア
12. Samba Do Aviao ジェット機のサンバ
13. Aguas de Marco 三月の水
14. Corcovado コルコヴァド (Vocal; Gal Costa)

　本アルバムに収められた6曲目Anos Douradosの画像がYouTubeで見れます。ガル・コスタの美しい歌声がよく捉えられていると思います。

　同じ時期（少し後か）のジョビンとガル・コスタのジンジです。ピアノを弾くジョビンがいかにも優しげなおじさんっぽくていい感じです。ガルの声が美しい。

　ガル・コスタが歌う名曲デザフィナドもアップしておきましょう。やはり素晴らしいですね。

　こちらはおまけ。シナトラとジョビンの貴重なデュオ映像。イパネマの娘。60年代若かりしジョビンはナイスガイです。

詳しくはアマゾンでどうぞ。→ Antonio Carlos Jobim/Rio Revisited

関連エントリはこちら。
　→ミウシャ＆アントニオ・カルロス・ジョビン/コンプリート＆モア
　→アントニオ・カルロス・ジョビン/波
　→アントニオ・カルロス・ジョビン/イパネマの娘
　→アントニオ・カルロス・ジョビン/コンポーザー
　→エリス・レジーナ＆アントニオ・カルロス・ジョビン/エリス&トム

　ジャズのバリトン・サックスといえば、私の中では、ジェリー・マリガンがダントツで、次にデューク・エリントン楽団のハリー・カーネイとこのサージ・チャロフ、あとペッパー・アダムスやセシル・ペインというところでしょうか。でも本作を聞いていますと、実力的にはこのサージ・チャロフの方がマリガンよりも上じゃないかとも思われます。34才という若さで脊椎ガンのために亡くなったために残された録音数はごく限られており、夭逝が本当に惜しまれる才能あるジャズマンの一人です。

　サージ・チャロフ（1923-1957）は、47年から49年までウッディ・ハーマン楽団にて活躍し、50年代に入って病気のために第一線を引いていましたが、晩年の54年に再起、そして、55年56年にキャピトルに2枚のリーダー作を残すことによってチャロフの名はジャズ史に永遠に刻まれることになりました。本作は56年の録音で、サージ・チャロフというジャズマンの貴重な卓越した演奏が記録されています。

　昔の名のあるジャズマンの多くが若死にしていますが、繊細な芸術家が過酷な現実に対峙しつつ少しでも優れた芸を残すためについつい手を染めがちな麻薬やアルコールへの耽溺というものがその遠因であった場合が多いようです。でもこのサージ・チャロフの場合はガンという病気で状況はかなり異なっています。不可抗力というか運命のようなものですから。でも表現者として後世の人に感銘を与えることができる芸術エンターテイメントを残せたこと、それは素敵なことだと思うのですね。自身の運命を悟った芸術家の渾身の演奏だったのかもしれません。白血病で逝ったリパッティのピアノ演奏のように。

　醜くくてどうしようもないと思えるブルドックを喜んで飼っている人の気持ちを私は全く想像さえできないけれど、何とかしてあげたいという母性をくすぐるものがあると昔付き合っていた女性から聞いたとき妙に納得した覚えがありますが、バリトン・サックスって楽器をジャズで聞くとき私は同種の感覚を感じることがあります。ただチャロフの場合にはそれが例外的に当てはまらないかもしれません。あまりに流調にこの困難な楽器を吹きこなしているからです。

　お気に入りのエリック・ドルフィーが吹くバス・クラリネットの吹っ切れそうで吹っ切れないけれどたまにものすごくぶち切れる瞬間があって、その際に強いエクスタシーを感じたりする、そんな印象に近いですね。バリトン・サックスも労多くじっくりと紡いできたソフトなメロディラインをたまに巨象が咆えるように裏返った音色でエネルギッシュにぶち切ることがあるのですね。その刹那がとっても気持ちいいと感じるんです。それも、チャロフの場合にはごくたまにしか起こらないのです。テナーサックスのように流麗なんですね。でもバリトン独特の中高音を強く吹いたときの音色の興趣は同じく魅力的ではあります。

　共演者のソニー・クラークはまだ西海岸にいる頃の参加て、東に出てアルフレッド・ライオンに気に入られてブルーノートで活躍するのはこの後のことです。本作でクラークの奏でるブルースにはやはり臭みがあまり無くて気品といえるような品があるのですね。それにカウンターを的確にとらえるかのような生来の一音一音の重いタッチはすでに顕在化しています。まあでも幾分まだ西海岸ジャズ独特の軽さというか明るさが漂っていることは確かで、アート・ペッパーと共演したラス・フリーマンの繊細なセンスを思い起こさせます。

　全7曲。いずれも質の高い快適なジャズです。何気なく聞くには最高のジャズ。疲れた夜に恋人と聞く大人のジャズ。癒しのジャズですね。特にバラッド演奏が素敵で、3曲目Thanks for the Memory と7曲目 Stairway to the Stars が個人的にお好み。ビブラートが効いた余韻のあるバリトンが実に渋いのです。繊細な歌い回しが味わい深く、それに一瞬だけ感極まって豪放にうねりますがそれがまたいい表情を見せてくれます。4曲目 All the Things You Are や5曲目 I've Got the World on a String も曲本来の持つ快調具合がうまく表現されていてとてもいい塩梅。また、全体に、ソニー・クラークのピアノがつぼを押さえた憎いやつそのものであり、ルロイ・ヴィネガーのベース、これがまた腰の重い重量級で実に心地よいです。

1. Handful of Stars
2. Goof and I
3. Thanks for the Memory
4. All the Things You Are
5. I've Got the World on a String
6. Susie's Blues
7. Stairway to the Stars

詳しくはアマゾンでどうぞ。試聴可。→ Serge Charoff/Blue Serge

iTunes Storeでも試聴可。→

　アル・ヘイグ（1924-82）は米ニュージャージー州生れ、40年代半ばよりチャーリー・パーカーら、50年前後よりスタン・ゲッツらのピアニストを務めた著名なモダン・ジャズ勃興期の白人バップ系ピアニスト。その味わいは繊細ながら独特の美意識に貫かれており、洗練された魅惑のピアノといった賛辞が似合います。パーカーやゲッツら巨人の背後で響かせるバッキングや短いソロには心に残るきらめきがありました。忘れがたいジャズ・ピアニストですね。

　　→ Al Haig Discography

　本作は70年代英国を拠点にしていたアル・ヘイグ50才前後の作品。当時いつも奏でていたであろう得意のレパートリーを調子のよい状態で演奏録音できたのだと思います。溌剌とした勢いを感じます。次々に繰り出される香（かぐわ）しい和音の響きに独特の美学が感じられますね。現代21世紀の没個性的なジャズ・ピアノの地平とは明らかに一線を画するもので、一つの確たるスタイルを明示していると思います。極めて個性的かつ美しい音楽です。

　Invitationという愛らしいメロディを持つ佳曲は私にとって不思議と惹きつけて止まない魅力があるように思います。前回ご紹介したニコレッタ・セーケ嬢の同曲のYouTube画像を観ていましたら、本作アル・ヘイグのInvitationと、もう一つシンガーズ・アンリミテッドのやはりInvitationというアルバムを思い出しました。後者はアート・ヴァンダムというアコーディオンのトリオをバックにシンガーズ・アンリミテッドが美しいハーモニーを聞かせてくれる私の愛すべき愛聴盤です。

　全8曲。いずれも洒落た味のある演奏です。2曲目表題曲の Invitaion では淀みなく次々に巧なメロディックイディオムが展開されます。3曲目 Enigma は落ち着いた曲想の中に抑えられたリリシズムが匂い立つような素敵な演奏。そして、5曲目 If You Could See Me Now がまた心優しくて切ないとても美しい世界。7曲目 Daydream もアル・ヘイグならではの淡白で繊細な味わい。

1. Holyland
2. Invitation
3. Enigma
4. Sawbo City Blues
5. If you could see me now
6. Sambalhasa
7. Daydream
8. Linear Motion

Al Haig (p), Gilbert 'Bibi' Rovere (b), Kenny Clarke (ds). Recorded at Olympic Sound Studios, Barnes, England, on January 7th、1974.

iTunes Music Store では試聴可能です。→Al Haig / Invitation

詳しくはアマゾンでどうぞ。→ Al Haig / Invitation

関連エントリはこちら。
　→チャーリー・パーカー/バード・シンボルズ
　→スタン・ゲッツ/スタン・ゲッツ・カルテット
　→スタン・ゲッツ/ザ・サウンド
　→アル・ヘイグ/ジャズ・ウィル・オー・ザ・ウィスプ
　→アル・ヘイグ/オルニソロジー

　ロバート・ラカトシュのことは昨年１０月に彼の澤野2枚目アルバム『Never Let Me Go』のことを書いた頃より、iPodで日常的に聞き続けていまして、そのクールなピアノ・センスにずっと痺れっぱなしなのですね。こうした歌伴のピアノではさぞやツボを押えた好サポートをするに違いないと確信めいたものがありました。

　期待に違わず、ラカトシュのピリリと光るピアノが素晴らしいアクセントになっていますね。いずれの曲でも短いソロをとりますが、その粋でハイセンスな演奏に大満足させられます。ほんとに愛らしい歌ものでのラカトシュのピアノは素敵すぎます。それに、歌声の後ろでさえ、さりげなく紡がれる美しいメロディに聴き入っていますと、これはもうヴォーカルを脇役にしてしまうような存在感を感じずにおれません。

　ところで、ジャケットのニコレッタ・セーケ嬢、美しいですね。古きヨーロッパ映画に出てくるような美形です。ラカトシュと同じハンガリー出身でまだ25才？（1983年生れらしい）の新人です。YouTubeに何本か映像がありましたので私自身が繰り返し観たいと思う2本をここにアップしておきましょう。2006年モントリュー・ジャズ祭からラカトシュのピアノ・トリオをバックにした Invitation と Moon and Sand の2本。特に後者でのニコレッタの新鮮なスキャットとラカトシュらしい粘っこく知的なピアノがいい感じです。

　ニコレッタ嬢の歌は最初は声量なく声質も平凡で拍子抜けしますが、ジャズ・スピリットになかなかのものがある上、曲の解釈にも独特のものがあるように思えます。恐らくは聞くほどに味の出てくる実力派タイプですね。単なるカワイコちゃん歌姫でないことは確かで、ジャケット写真はちょっと作られすぎていて本来の彼女とは美点も含めて遠い気がします。

　CDに収められた曲についてもコメントをしておきましょう。まず、選曲がなかなか渋いことと、澤野らしく音質がやはり最高なことを挙げておかねばなりません。個人的には、ジョン・コルトレーンの哀愁ある演奏でお馴染みの5曲目 Everytime We Say Goodbye と多くの歌手が手がけている13曲目 The Look of Love がともに静溢な雰囲気で好みです。特に後者の反ブルースのような詩的な解釈は斬新です。加えて、ラカトシュのピアノはいずれも一聴に値する極めて美しいもの。

　2曲目 Waltz For Debby はモニカ・ゼタールンドとビル・エヴァンスの21世紀版という感じですね。また、ロレツ・アレキサンドリアの名唱が印象深い6曲目 I've Grown Accustomed To His Face が入っていたり、レオン・ラッセルの名曲でカーペンターズも歌ったCD表題の1やビリー・ジョエルの10なども新鮮です。8曲目 Almost Like Being In Love では彼女が得意とするスキャットが聞かれますが、そのリズミカルで器楽的な声質が好ましく思えます。

　ラカトシュの実力についてはもう繰り返しませんが、歌姫ニコレッタ・セーケについてはアン・バートンのような感情移入型の歌手として活躍してくれることを期待しています。きっとこれからも歌唱力よりも歌の巧みさや洗練されたジャズ・センスで活躍してゆくことでしょう。本作はラカトシュ美学とのコラボが見事に実を結んでいると思います。知的かつクール、抑制が効いていて感情に流されない、それでいてきらめき輝く美と確かな情念とを感じさせる内容。繰り返し聞くうちにその虜になってゆく、そういう音楽です。

　追伸。澤野工房のHPから、本作のプロデューサー兼ドラム担当のクラウス・ヴァイスさんが昨年12月に逝去されていたことを知りました。享年66歳。ご冥福をお祈りします。

1 A Song For You
2 Waltz For Debby
3 If I Were A Bell
4 Time After Time
5 Everytime We Say Goodbye
6 I've Grown Accustomed To His Face
7 Summer Night
8 Almost Like Being In Love
9 I Didn't Know What Time It Was
10 Just The Way You Are
11 Nobody Else But Me
12 Spring Can Really Hang You Up The Most
13 The Look Of Love

Nikoletta Szoke (vo), Robert Lakatos (p), Thomas Stabenow (b), Klaus Weiss (ds).　
Recorded at Pirouet Studio, Munich, on Oct.9&10th, 2008.

澤野商会で試聴可能です。→Nikoletta Szoke/A Song For You

購入はHMVでどうぞ。→ Nikoletta Szoke/A Song For You

　アニタ・オデイ（1919-2006）はシカゴ生れで、1939年よりプロ歌手、1941年よりジーン・クルーパ楽団、1944年よりスタン・ケントン楽団で活動後、1950年頃よりソロ歌手として活躍。日本贔屓で何度も来日しています。残念ながら最近2006年に亡くなりました。モダン・ジャズ白人女性ヴォーカルでは名実ともに先駆者かつ最高峰だと思います。ハスキー系の声質と抜群のジャズ・センスでジャズ・ファンを魅了してくれました。

　本作はそんなアニタ・オデイの代表作の一つ。1955年録音。伴奏がコンボのものと、ストリングスの入ったものが同居するスタジオ録音です。まあそれほどアクの強くない優等生のアニタ・オデイですね。アニタ・オデイといえばスキャットやミデディアム～アップテンポの小唄ものでの名唱が多いという印象ですが、この作品ではしっとりとしたバラードの名演も収められています。5曲目 I Can't Get Started などでは独特の旨みがありますね。

　そういえば、『真夏の夜のジャズ』という第5回ニューポート・ジャズ際（1958年）のハイライトを捉えたドキュメンタリー映画でのアニタ・オデイの歌が印象に残りますね。You Tube でそのシーンを見ることができますのでここにアップしておきましょう。これぞジャズ歌唱ってやつですね。センス・オブ・ジャズ。

　アクの強い歌手であり、その独特の歌唱の魅力に嵌ると、噛めば噛むほど味の出る止まらない止まらないカッパえびせん、いやスルメのような歌手だと思っています。本作では2曲目 Honeysuckle Rose や12曲目 Beautiful Love などではその片鱗が窺えます。バックにストリングスが入るとお嬢さんっぽい上品な歌になるのでしょう、コンボだとジャズ・フィーリングが正面に出てきますね。

1 You're the Top 2:24
2 Honeysuckle Rose 3:13
3 A Nightingale Sang in Berkeley Square 4:00
4 Who Cares? 3:14
5 I Can't Get Started 3:53
6 Fine and Dandy 2:25
7 As Long as I Live 3:39
8 No Moon at All 2:28
9 Time After Time 4:06
10 I'll See You in My Dreams 2:50
11 I Fall in Love Too Easily 2:54
12 Beautiful Love 2:37

Anita O'Day(vo), Buddy Bregman (arr), Milt Bernhart, Lloyd Elliot, Joe Howard, Si Zentner(tb),Paul Smith(p), Barney Kessel(g), Joe Mondragon(b), Alvin Stoller(ds), Corky Hale(harp) & Strings. Recorded in Hollywood, on Dec. 6-8th, 1955.

詳しくはアマゾンでどうぞ。→ Anita O'Day/ This is Anita

試聴は iTunes Music Store でどうぞ。→This is Anita

関連する過去エントリはこちら。
　→アニタ・オデイ/シングス・ザ・モスト
　→アニタ・オデイ/シングズ・ザ・ウィナーズ

　年末に近づいてくると大河ドラマも終盤に入りますね。今年の『篤姫』も11月に入って竜馬の死と大政奉還が放送され、いよいよこれから江戸城無血開城と大奥の消滅、篤姫は明治を質素に生きてゆくことになるのでしょう。大奥の篤姫周辺、将軍達、幕末の志士達など、時代のうねりの中で奔走する歴史上の人々の志や愛などが巧みに描かれています。

　この『篤姫』を見始めた頃より音楽がいいなとずっと思っておりました。印象的なメロディを持つ弦楽器主体の音楽が実に魅力的です。大河ドラマの音楽でこれいいなと思うことはほとんど初めての経験です。この夏くらいに娘がサウンドトラックのCDを購入しましたので、私もちょっと借りてコピーさせてもらい、iPodで日常的に聞いています。

　音楽担当は吉俣良（1959～）という鹿児島出身の作曲家とのこと。10年くらい前から映画やTVの音楽に携わり、最近とみに人気を集めつつある方のようです。私はこの篤姫しかたぶん知らないのですけれど、吉俣良という方はセンスのとてもよい優れたメロディ・メーカーだと思われます。どの曲にもいい味があるのですね。

　吉俣良オフィシャルWEBサイト→吉俣良Official Website

　本CDには全26曲が収められています。最近の放送ではこのCDに入っていない曲もときどき聞かれますが、よく使われる曲はほとんど網羅されています。各曲は2～3分と短いものが多いです。私の好きな曲は、どれも素晴らしくて選びようがないくらいです。まさに名曲の揃い踏み。そんな中で敢えて挙げるとすれば、6、7、15、19、25でしょうか。いずれも低めの弦が美しいメロディを心地よく響かせます。

　ただ一つだけ残念なのは音質です。音楽ホールとかでなく恐らくスタジオ録音なのでしょう。音に奥行きとか艶が若干ですが欠けているように思います。音楽自体は素晴らしいだけに惜しい気がします。

1. 篤姫(メインテーマ)
2. 吉左右(きっそう)
3. 篤と
4. つつぐれのとき
5. 火の穂(ほのほ)
6. そでのしぐれ
7. ふとか山
8. 良し
9. 蕊(しべ)
10. 嫋嫋(じょうじょう)
11. 戦ぐ花(そよぐはな)
12. 於一咲む
13. 御
14. みふゆつく
15. 素意
16. 遮蔽
17. 玉響(たまゆら)
18. 正鵠(せいこく)
19. 瑞雲
20. ひたあを
21. 雲の路
22. 一葉知秋
23. 水の葉
24. 里の緒
25. 驀地
26. すずしろのはな

詳しくはアマゾンでどうぞ。→ 吉俣良/篤姫

　ジョー・パス（1929～1994）のギターっていいですね。『ヴァーチュオーソ』シリーズ（1973年～）でソロ・ギターの新境地を開いて注目され、本作は1992年晩年のやはりソロ演奏。ただギターにいつものエレキ・ギターの代りにガット・ギターを使っていてより自然で優しい音色。曲もスローからミディアムテンポのスタンダード・バラードが中心。心静かな素朴な味わいにてほんと渋い音楽に感じ入りますね。

　左手の弦を擦（こす）る音がよく聞こえてきます。すぐ目の前にいて自分一人のためにギターを弾いてくれているような錯角を起こします。1曲目のマイ・ロマンスが始まるや、もうその美し過ぎるジョー・パスのジャズ・ギター世界に浸ります。出だし部分のアルペジオと最初の歌い回しには病みつきになりそう。寂しげでなお美しい。

　それにしてもガット・ギター1本のみでなんて深い音世界を表現できるのでしょう。平易に奏でられる音々は一端空間に広がるやいとも簡単にしかもあっという間に空間全体を別世界にしてくれます。これを名人芸というに違いありません。素敵で凄いジョー・パスの世界。無理や無駄が無く一見単純に見えるのですね。

　このジョー・パスのソロ・ギターには独特の雰囲気がありますね。聴くときの心理状態によってはとても重い音楽かもしれません。特に悲しいときや辛いときに聴くといっそう気持ちが沈む込むでしょう。が、同時に結局は癒されるのだと思います。それくらいに状況によっては力のあるというか感情に訴えかける音楽だと思います。BGMなどで聞き流すのがいいのでしょうね。渋くて心地よい音楽として。

1. My Romance
2. Very Thought of You
3. I Cover the Waterfront
4. Isn't It Romantic?
5. Walkin' My Baby Back Home
6. Autumn Leaves
7. 'Round Midnight
8. I Should Care
9. Unforgettable
10. Don't Worry 'Bout Me
11. Spring Is Here
12. Moonlight in Vermont
13. April in Paris
14. Stardust
15. You'll Never Know
16. After You've Gone
17. I Can't Believe That You're in Love with Me

HMVでは試聴可能です。→Joe Pass/Unforgettable

詳しくはアマゾンでどうぞ→ Joe Pass / Unforgettable

関連エントリはこちら。
　→ジョー・パス/ヴァーチュオーソ

　デニー・ザイトリン（1938～）の本アルバムは学生の頃から長く私の愛聴盤です。その魅力は粘っこい粘着質のタッチと知的なリリシズムの美学にあると思います。エヴァンスほど内省的でもなくむしろさらりとしたあっさり味のところがあり、その薄味の中にデニー・ザイトリン特有の一本の透徹した美が貫かれています。

　私が初めてデニー・ザイトリンのそんなピアノを聴いて感動したのは、ジェレミー・スタイグ『フルート・フィーバー』（1963年）でした。この作品はデニー・ザイトリンの初レコーディングに相当しますが、スタイグの爆走するフルート演奏の特異さと同時にザイトリンのきらりと光る知的で美しいピアノには唸らせられました。
　
　デニー・ザイトリンはシカゴ生れの現役のジャズ・ピアニストであり、また精神科医でもあります。1960年代にサンフランシスコに移り、チャーリー・ヘイデンらと組んで Columbia に上記2枚を含む5枚ほどのアルバムを残しました。残念ながら今のところCDでの再発はないようですが、ザイトリン本人も自身の音楽にとって a marverous platform と位置づけているようにいずれも満足な内容であったのだと思います。

　本作は Columbia 時代の最後の作品です。全11曲。ザイトリンのオリジナル4曲。素晴らしいアルバムだと思います。例えば、4曲目 Here's That Rainy Day はキュートなメロディのスタンダード曲。数多い演奏の中でこのザイトリンの演奏が私は最も好きです。同曲はエヴァンスも録音を残しているものの、ザイトリンのこの演奏によって同曲が特別に好きになったほどですので、こちらの方が印象深いのです。ザイトリンのピアノには惹きつけてやまない独特の美学が感じられますが、その秘密は左手の多彩な動きと右手の美音の連なりにあり、左手の動きに意外性があるため曲想が立体的なものになるのではないかと思います。

　6曲目 Maiden Voyage がまた素敵な解釈です。私にとっては本家ハンコックのクインテット演奏より好みになりますし、ヴァイブのボビー・ハッチャーソン『ハプニングス』（1966年） の演奏と同じくらいに好印象です。静かに奏されるテーマ紹介直後のザイトリンの最初の1コーラスが実に素敵です。透徹した美意識を感じずにおれません。

　レコードではB面になりますが、7曲目 Offshore Breeze と9曲目 Mirage の2曲は盟友チャーリー・ヘイデンが参加した1966年の録音。前者はボサノバ風の寛いだ雰囲気の中にさりげないリリシズムが匂い立つような素敵な演奏。後者は17分に及ぶ長尺演奏で本アルバムのハイライトと言っていいと思いますが、哲学的なヘイデンのベースとザイトリンのピアノ美学が真っ向から対話するようなイマジネーション溢れる演奏になっています。やはりザイトリンのピアノには特有の匂いがあって、好みの問題でしょうが、私のようにそれが好きな人には堪らない魅力を感じることができます。

1. Dormammu [Denny Zeitlin] (6:38)
2. Put Your Little Foot Right Out [P.D.] (3:12)
3. The Hyde Street Run [Denny Zeitlin] (2:18)
4. Here's That Rainy Day [Burke, VanHeusen] (3:47)
5. I Got Rhythm [Gershwin, Gershwin] (2:11)
6. Maiden Voyage [Hancock] (7:37)
7. Offshore Breeze [Denny Zeitlin] (2:35)
8. Night and Day [Porter] (2:57)
9. Mirage [Denny Zeitlin] (17:14)

Denny Zeitlin (p), Charlie Haden (b), Joe Halpin (b), Jerry Granelli (ds), Oliver Johnson (ds).
Recorded on Apr 11, 1966 & Mar 18, 1967.

デニー・ザイトリンのオフィシャル・サイト→Denny Zeitlin

　アストラッド・ジルベルト（1940～）は、著名アルバム『ゲッツ・ジルベルト』（1963年）でいきなり歌手デビューし、シングルカットされた｢イパネマの娘｣の大ヒットとともにボサノバの歌姫として絶大な人気を得ました。本作は1965年に製作・リリースされた彼女のデビュー・アルバムです。

　アストラッド・ジルベルトは決して上手いとは言えない歌手ですが、思うにボサノバではそのメロディとリズム、ハーモニーの3要素がいずれも非常に魅力的なので、歌手の上手い下手はあまり重要でないのかなと感じます。もちろん歌が上手い方が演奏としてベターなのに決まっていますが、歌手の役割にはアントニオ・カルロス・ジョビンらの作る美しいメロディを平坦に紹介することに大きな意味があると思うのですね。

　元夫のジョアン・ジルベルトのつぶやくような個性的な歌い方も奇妙といえば奇妙ですし、Ａ・Ｃ・ジョビンも歌うことが多いのですがアストラッド・ジルベルトよりもっと素人っぽいですね。でもそれらは繰り返し聞いてればそれなりに違和感なく聞けるから不思議です。それに、ボサノバの魅力には素敵なメロディだけでなく、何と言っても独特のボサノバのリズムがあります。そのリズムの基本はギターにあり、ジョアン・ジルベルトが原型を作ったと言われるそのギター奏法はボサノバ特有の寛いだ雰囲気を醸し出します。

　あと、ハーモニーというかアレンジの妙っていうのがボサノバ音楽にはあると思うのですね。本作ではマーティ・ペイチという米西海岸のジャズバンドのリーダー&アレンジャーが担当していてそれなりによい具合ですが、本場ブラジルのクラウス・オガーマンやデオダートらのアレンジってもっと洗練や粋がありますね。裏筋を舐めるような、ソコソコと痒いところに手が届くような快楽印の音使い楽器使い。華麗なオーケストレーションだけでなく、フルートやトロンボーン、それに朴訥だけどツボを押えるピアノなど。

　ところで、アストラッド・ジルベルトが歌手になったきっかけというのがほとんど偶然からのものだそうですね。先の『ゲッツ・ジルベルト』中の｢イパネマの娘｣はジョアン・ジルベルトがポルトガル語で歌った後、アストラッド・ジルベルトが英語で歌っていますが、これはプロデューサーのクリード・テイラーが英語の歌詞を入れたいとの希望があって、たまたまスタジオに居合わせた彼女が自分なら少しは英語で歌えると申し出たことがきっかけだそうで、夫君は反対したもののテイラーと他の参加メンバーらが賛成してレコーディングに至ったと。（参照→Astrud Gilberto Biography）

　さらには、同曲はシングルカットされてポピュラーソングとして大ヒットしますが、そのシングル盤の方はアストラッドのみの歌になっていまして、元は5分ほどあった曲をジョアンの歌をカットすることで3分以内にしたとのこと。当時はラジオなどで流すために3分内というのがシングル・ヒットのための必須要件だったのですね。アストラッドはジョアンと1964年に離婚して息子たちを引き取って米にて活動、ジョアンはその後ミウシャというやはりボサノバ歌手と再婚、その間にできた娘ベベル・ジルベルトが現在歌手として活躍中ですね。
　
　他のボサノバ女性歌手の有名どころでは、シルビア・テレス、エリス・レジーナ、ガル・コスタ、ミウシャなどが私の好みになりますが、アストラッド・ジルベルトは彼女らに比して明らかに歌は上手くはないですし、声質もまあ平凡です。ナラ・レオンが近い感じ。ただ、素人っぽさの中にある種の魅力的な透明感と虚無感があること、それに自身もそう思っていたかどうか知りませんが、自分の声を一つの楽器に見立てて主旋律を器楽的に歌うことに徹しているふしが感じられます。その傾向は自身の客観的価値を知るほどにその後の活動の中でより強化されていったように思います。

　本作は、11曲中10曲がＡ・Ｃ・ジョビンの作品（4以外）で、7曲を英語、残り4曲を母国語ポルトガル語で歌っています。いずれもボサノバを代表する有名曲ばかりでさながらボサノバ名曲集です。アストラッド・ジルベルトの歌は素朴で可憐、まるで隣のきれいなお姐さんが気取りなく風呂場で歌っているような雰囲気（リヴァーブ強め）。曲自体がどれも素敵なのですぐに馴染んでしまいます。個人的には7曲目のジンジが彼女のアンニュイな感じがいい具合に出ていて好きです。あと、ピアノが私の好きなジョアン・ドナートなのも聞き所。流石に独特のセンスと音使いが光ってます。

1. ワンス・アイ・ラヴド Once I Loved
2. おいしい水 　Agua de Beber
3. 瞑想 Meditation
4. アンド・ローゼズ・アンド・ローゼズ And Roses And Roses
5. 悲しみのモロ　O Morro (Nao Tem Vez)
6. お馬鹿さん How Insensitive
7. ジンジ Dindi
8. フォトグラフィア Photograph
9. 夢みる人 Dreamer
10. あなたと一緒に So Finha de Ser Come Voce
11. サヨナラを言うばかり All That's Left Is Ｔo Say Goodbye

iTunes Music Store では試聴可能です。→ アストラッド・ジルベルト/おいしい水

Astrud Gilberto (vo), Bud Shank (fl,sax), Stu Williamson (tp), Milt Bernhart (Trombone), João Donato (p), Antonio Carlos Jobim (g,vo), Joe Mondragon (b), Marty Paich (arr), Rudy Van Gelder (Mastering), Guildhall String Ensemble, David Hassinger (Engineer), Jack Maher (Original Liner Notes), Michael MalatokCover design), Creed Taylor (Producer).
Recorded at RCA Studios, Hollywood, California; January 27-28, 1965.

関連エントリはこちら。
　→アントニオ・カルロス・ジョビン/イパネマの娘
　→エリス・レジーナ＆アントニオ・カルロス・ジョビン/エリス&トム
　→ベベル・ジルベルト/タント・テンポ
　→ミウシャ＆アントニオ・カルロス・ジョビン/コンプリート＆モア
　→ジョアン・ドナート/ボッサ・ムイト・モデルナ
　→小野リサ/サウダージ

最後に You Tube から ｢イパネマの娘｣（1964年）をアップしておきます。スタン・ゲッツも映ってます。外は雪なのですね。

Astrud Gilberto Stan Getz Ipanema 64

　このジャズ・メッセンジャーズのアルバムに初めて接したのは高校生のとき、まさにジャズ初体験でした。でも残念ながら何度か聞いたものの全くの不感症で、聞いたことのある有名なメロディのモーニンという曲が脳裏に刻みこまれただけに終わりました。このアルバムと同時にビル・エヴァンスのモントリューのライブ盤も聞きましたが、こちらはもっとチンプンカンプンの有様でしたね。

　いずれも2才年上の姉がボーイフレンドから借りたものだと思います。恐らくはジャズファンであろうそのボーイフレンドが姉のために一般受けするジャズアルバムを紹介してくれたのでしょう。同じ時期に借りて聞いた荒井由美『ひこうき雲』や井上陽水『氷の世界』にはたいへん感激しましたっけ。

　ただ、そのモーニンの記憶のおかげで、その後、私が初めて買ったジャズのレコードがジャズ・メッセンジャーズのオリンピア劇場のライブ盤（過去エントリはこちら→ジャズ・メッセンジャーズ/パリ・オリンピアコンサート1958）であり、その中の Whisper Not や I Remember Clifford でのリー・モーガンのソロを聞いてジャズの魅力に開眼したというわけです。

　前置きが長くなりましたね。まあ私にとりましてこのアート・ブレイキーとジャズメッセンジャーズ、殊に、リー・モーガン、ベニー・ゴルソン、ボビー・ティモンズが在籍した58年頃のジャズ・メッセンジャーズは特別な存在だということです。ゴルソン作編曲の素敵な楽曲とリー・モーガンのいかしたトラペット演奏がジャズ初級者の私には格別に馴染みやすかったのです。

　NHK教育「美の壺」という番組の主題曲に使われているMoanin' は大変に有名な曲でピアノ担当のボビー・ティモンズの作曲ですが、Are You Real や Blues March 他多くの印象的な曲はベニー・ゴルソン作です。素晴らしい楽曲とともにファンキーな演奏はジャズの醍醐味を直裁に教えてくれます。ただ残念なことに、ナイアガラ瀑布に譬えられたダイナミックなブレイキーのドラミングにはあまり感激した覚えはありません。

1. Moanin'
2. Are You Real
3. Along Came Betty　
4. The Drum Thunder Suite
5. Blues March
6. Come Rain Or Come Shine

Lee Morgan (tp), Benny Golson (ts), Bobby Timmons (p), Jymie Merritt (b), Art Blakey (ds).
Recorded on Oct 30, 1958.

iTunes Music Store では試聴可能です。→ Art Blakey/Moanin'

詳しくはアマゾンでどうぞ。→ Art Blakey / Moanin'

　中学生の頃からショパンは大好きでした。夜想曲、ワルツ、練習曲、バラード、前奏曲、マズルカ、ポロネーズなどのジャンルがあって、本当に素敵な曲がたくさんありますね。私にとって数あるショパンのピアノ音楽の中で特に好きな曲を挙げるとすれば、それはマズルカ13番イ短調作品17-4と前奏曲4番ホ短調作品28-4の2つです。いずれも物悲しい旋律の中に限りない美がひっそりと息づいているそんな感じの曲なのです。

　ショパンの音楽の中でマズルカは特別なものですね。ポーランドの独特のリズムのワルツ総称。クヤーヴィヤク、 マズル、オベレクと分類されて順にテンポが速くなってゆきます。13番イ短調作品17-4は不思議な和音で始まり不思議な和音で終わるとても印象的な曲調の典型的なクヤーヴィヤクです。酔っ払いのユダヤ人の嘆きと金持ちの結婚式の行列を描いたという説があるそうです。

　マズルカ13番イ短調に初めて出会ったのは高校1年くらいの時でした。FM-NHK『大作曲家の時間』という休日の午前にやっている番組があって、その年は半年以上に渡って毎週ショパンを1時間特集しているのでした。毎週聞いて紹介される曲をせっせと自分のテープレコーダーに録音しておりました。間違いなくルービンシュタインの演奏だと思うのですが、13番作品17-4を初めて聞いて感激してそれ以来ずっと心に残っています。その番組では多くの曲、しかも決定的な名演奏を紹介していてとても印象に残っています。

　レコードで買ったのは大学に入ってからです。第1集と第2集に分かれていて私は第1集のみを持っています。ピアニストのアルトゥール・ルービンシュタインは大変に著名なロシアの巨人ですが、15歳下のホロヴィッツの活躍に刺激を受けて50歳近くになって研鑽を積んだとのことで、本録音はそのすぐ後のものだそうです。私はルービンシュタインのノクターン集もたまに聞きますがやはり円熟味のある好ましい演奏です。24歳年下の妻とともに幸せな家庭人であったとのこと。

　あと、このマズルカ13番イ短調は映画『戦場のピアニスト』でも使われていましたね。あまり一般には聞かない曲なので映画の中で突然に出会って驚きつつも嬉しく思いました。曲調があまりに暗すぎるのですね。でも私にとってはショパンのマズルカといえばこの曲なのです。

　思い入れのある13番イ短調作品17-4のことばかり書いてしまいましたが、その他にも魅力的な曲がもちろん多くあります。5番変ロ長調作品7-1、17番変ロ短調作品24-4、25番ロ短調作品33-4などは愛らしいメロディで誰しも一度は聞いたことのある著名な曲ですね。

iTunes Music Store では試聴も購入（ダウンロード）も可能です。
　　ルービンシュタイン/ショパン・マズルカ集　→　

詳しくはアマゾンでどうぞ。→ ルービンシュタイン/ショパン・マズルカ集
　　　

　エンリコ・ピエラヌンティ（1949～）はイタリア出身の私のお気に入りジャズ・ピアニスト。このCDは84年録音ですから、ピエラヌンティ30代の頃に当りますね。演奏から受ける印象は、瑞々しくて爽やか、そしてエヴァンス・ライクの粘着気質。

　前回のロバート・ラカトシュのピアノがミディアム・テンポで小気味良く美音を連ねてゆくのを感激しながら聞いていたとき、私の脳裏にあったのはピエラヌンティの音楽でした。ジャズ・ピアノを聞いているときの喜び、エヴァンスやパウエルとは異なる新しい喜びを教えてくれたのがこのピエラヌンティの淀みなく流れる演奏だったのです。

　ピエラヌンティは長いキャリアかつ多作なピアニストですが、日本国内で入手できるCDは数が限られていますし、私が知っているピエラヌンティは実はほんの一部分に過ぎないかもしれません。ただ、いずれも高水準の作品を残しているようですし、得られる印象や感動は大きくは変わらないと思います。

　本CDは若い頃の作品という意味で新鮮な感覚が期待されますが、いつもの変わらぬピエラヌンティがすでにそこにいまして、この人は若い頃から後年のスタイルを確立していたのだなと感じさせます。まあテクニックや感性は30代でほぼ出来上がっているのが普通ですよね。
　
　全7曲。1曲目 IF THERE IS SOMEONE LOVELIER THAN YOU からアップテンポの快調なピエラヌンティのソロが堪能できます。ピエラヌンティの音楽は聞き流せばさっと過ぎ去ってゆくほどさりげなくあっさりしているのですが、繰り返して聞くことでアドリブのメロディが耳に慣じんだ頃にようやくその心地よさが深く味わえるのだと思います。そういう類の音楽に私はなぜか愛着を抱きます。

　2曲目 I FALL IN LOVE TOO EASILY はスローバラッド。粘っこいピアノが魅力的です。 ピエラヌンティのバラッド演奏は印象的なシングルトーンで独特な音列を並べる意外性のあるものですが、そこにある美意識には説得力があります。

　3曲目 THE MOOD IS GOOD　はミディアムテンポでやはり私はこうしたピエラヌンティがお好みのようです。リズムに乗って次々に繰り出されてくる音の連なりに身をゆだねるようなそんな快感です。5曲目 A CHILD IS BORN では粘っこくしっとりしていている上にリズムに乗る快適なピアノが素敵です。この演奏が本CDで一番のお勧めかな。

1. IF THERE IS SOMEONE LOVELIER THAN YOU
2. I FALL IN LOVE TOO EASILY
3. THE MOOD IS GOOD
4. NEW LANDS
5. A CHILD IS BORN
6. ALL THE THINGS YOU ARE
7. I LOVE YOU

Enrico Pieranunzi (p), Marc Johnson (b), Joey Baron (ds). Recorded on Feb 17, 1984.

iTunes Music Store では試聴可能です。→ Enrico Pieranunzi / New Lands

詳しくはアマゾンでどうぞ。→ Enrico Pieranunzi / New Lands

関連エントリはこちら。
　→Enrico Pieranunzi/ The Night Gone By
　→Enrico Pieranunzi/ Play Morricone

　ロバート・ラカトシュは1975年ハンガリー・ブタペスト生れ。澤野工房からこの数年ですでに3枚の作品を残し、今年夏にもライブ演奏のために来日しています。音楽一家に育ってクラシックの素養を持ち、ジャズ・ピアニストではウィントン・ケリー、ビル・エヴァンスやキース・ジャレットに感銘を受けたとのこと。
　
　本作は粒立ちがよくて変幻自在に歌う感性豊かなラカトシュの個性が光る秀逸な作品。ベースとドラム3者の緊張感あるインタープレイを堪能できる理想的なピアノ・トリオ作品でもあります。また、｢ジャズ批評｣のジャズオーディオ・ディスク大賞2007銀賞という録音の良いCDです。

　スタンダード中心の全12曲収録。まずは1曲目 All Or Nothing At All を聞けば、このトリオ演奏が高度に連携のとれた密度の高い音楽であることがすぐに分ります。ベースのファビアン・ギスラーの動きが激しく刺激的で、ドラムが細やかにリズムを刻みます。

　続く2曲目 Never Let Me Go は素敵なソローなバラッド。ラカトシュの余韻たっぷりの粘着質の音の連鎖が魅力的。エヴァンスほど内省的でないけれどひたすら耽美的なピアノです。3曲目 My Favorite Things はミディアム・テンポでやはり3者のインタープレイがなかなか好印象で、終始、前のめりに攻めの姿勢のラカトシュのピアノが心地よいです。　

　4曲目 Last Time Together が本作品の中で私が最も好む演奏。ラカトシュの父、ピアニストの Bela S. Lakatos の作品。スポンテイニアスで特徴的なベースとドラムの複雑なリズムに乗って、ラカトシュのピアノが淀みなく美音の連鎖を繋いでゆきます。ラカトシュの唸り声が聞こえる頃に絶頂を迎えますが、時を忘れさせるこの快感はなんて素敵なのでしょう。全くもって新鮮な感激。私がヨーロッパのピアノ・ジャズに求めてきたものがまさしくこの演奏にありそうです。

　8曲目 Estate の演奏も決して甘さに流されずに音と音を巧みに紡ぎながら深い情念を描き切ります。情緒的でオーソドックスなルイス・ヴァン・ダイクの演奏が思い起こされるけれど、ラカトシュの方は知的かつクールであり張り詰めた緊張感あるトリオ演奏が印象的です。

　11曲目 Till There Was You はビートルズで有名な可憐なポピュラーソング。テーマメロディを慈しむような素敵なバラッド演奏。糸を引くように粘っこいピアノは限りなく美しい。最後の12曲目 You're My Everything はアンコール曲のように肩の力を抜いた寛いだ雰囲気の演奏。

　ロバート・ラカトシュ、凄くいいピアニストですね。キース・ジャレットやブラッド・メルドーのように独自の世界を持つ大器に違いありません。またもや澤野工房さんには脱帽です。他の作品も早く聞いてみたいと思っています。

1. All Or Nothing At All
2. Never Let Me Go
3. My Favorite Things
4. Last Time Together
5. Weaver Of Dreams
6. Ray's Idea
7. The More I See You
8. Estate
9. Waltz for Sue
10. When Will The Blues Leave
11. Till There Was You
12. You're My Everything

Robert Lakatos (p), Fabian Gisler (b), Dominic Egli (ds). Recorded on Oct.22&23, 2006 in Zulich.

澤野工房では試聴可能です。→Robert Lakatos/Never Let Me Go

詳しくはHMＶでどうぞ。→Robert Lakatos/Never Let Me Go

　ピアノ協奏曲といえばやはりモーツァルトが真っ先に来るのですが、ベートーベンはじめシューマン、チャイコフスキー、グリーク、ショパン、ラフマニノフらの有名なものが来て、さらにこのハイドンの本作が別格の存在として私の中にはあります。

　ハイドンの交響曲はあまり聞く機会がありませんが、ピアノ・ソナタと本作の協奏曲は好みになります。あっさり淡白な味わいなんです。じっくり聞き込まないとなかなかその良さが分らない薄味なのですね。でもその微妙な味覚が時に異様に鋭敏にキラ星のごとく光輝いてくることがあるものなのです。

　第1楽章は軽やかな弦による主題の提示から始まります。陽光ふりそそぐ素敵な朝のイメージです。さあ今日も元気な一日のスタート。ピアノが同じメロディを奏して巧みな変奏を繰り返しながら弦楽器と一体となりながら調和ある音楽へと昇華してゆきます。

　第2楽章は落ち着いた雰囲気で気品のあるメロディの主題が弦楽器により紹介され、引き続いてピアノによる同メロディのより詳しい記述。優しくて麗しく端正な曲想です。弦との会話を交換しつつ印象的な主題メロディが次々に修飾されながら展開されてゆきます。後半ピアノによる美しいカデンツァで高みに達してあるプラトーを迎えます。その美の佇まいが極めて静かで透明で清澄なのです。

　第3楽章はハイドンらしい愛嬌のある主題が足早に走り去ってゆきます。気が付けばいつのまにか終っています。

　モーツァルトも結構に淡白で白身魚で言えば鯛や平目などの高級魚なのでしょうが、こちらハイドンはもっと淡白な味わいでカレイやタラのように微妙に脂が旨い繊細な感じ。心静かにひっそりと一人で味わいたい音楽です。

　アルゲリッチのピアノにこんなに繊細な表現力があったとは意外でした。このハイドンの協奏曲をアルゲリッチは1980年にも録音しており、私はまだ聞いていませんがそちらも定評があるようですね。また、本CDに含まれるショクタコーヴィチのピアノ協奏曲についてはコメントを差し控えます。

1.ショスタコーヴィチ：ピアノ協奏曲 第1番 ハ短調 作品35
　第1楽章：Allegro moderato-Allegro(6:03)
2.第2楽章：Lento-Largo-attacca：(8:21)
3.第3楽章：Moderato-attacca：(1:41)
4.第4楽章：Allegro con brio-Presto-Allegretto poco moder(6:39)
5.ハイドン：ピアノ協奏曲 ニ長調 HOB.XVIII：11
　第1楽章：Vivace(7:26)
6.第2楽章：Un poco Adagio(7:20)
7.第3楽章：Rondo all’Ungarese.Allegro assai(4:02)

iTunes Music Store では試聴可能です。→

詳しくはアマゾンでどうぞ。→ マルタ・アルゲリッチ/ハイドン・ピアノ協奏曲ニ長調

　映画｢死刑台のエレベーター｣でマイルスに抜擢されて一躍有名になったバルネ・ウィラン（1937-1996）20代前半時のリーダー作。ケニー・ドーハムやデューク・ジョーダンら米国の著名なハード・バッパーと組んで典型的なモダンジャズを残してくれました。本作は幻の名盤と言われていたアルバム『バルネ』に未発表4曲を加えて初CD化されたもので、私も4～5年前にCD屋さんの試聴コーナーで聞いてすぐに気に入ったのでした。

　バルネ・ウィランは当時ジャズが取り入れられた｢殺られる」、「彼奴らを殺せ｣や｢危険な関係のブルース｣などの映画サウンドトラックにも参加しています。仏を代表するモダン・ジャズ・テナーと言えるでしょう。80年代以降も活躍していましたがまだまだ若いうちに逝去しています。

　内容的にはやはりケニー・ドーハムの影響が色濃く、ブルージーな黒っぽいジャズ世界になっていると思いますし、パリの有名クラブでのライブということで熱心な聴衆の臨場感が伝わってきます。バルネ・ウィランのサックスはオーソドックスな正統派なのですが、尽きることなく紡がれてゆくアドリブ・ラインが魅力です。

　特に未発表だったボーナス・トラックのうちの6曲目 Everything Happens To Me でのソプラノ・サックスが素晴らしい出来だと思います。溢れでる歌心が見事なのですね。続くデューク・ジョーダンのソロも哀愁があってよいです。1曲目 Besame Mucho はご存知の通りいかにもケニー・ドーハム好みの曲調ですが、やはり期待通りのきめ細やかなソロが聞かれます。ドーハムは私の好みにぴたりとくるのですね。続くウィランのソロも起伏とスリルに富んだイマジネーションある好演です。

　2曲目 Stablemates はベニー・ゴルソン作でジャズ・メッセンジャーズのファンキー節を彷彿とさせるイントロですが、落ち着いたドーハム、続く幾分か異質なウィラン、そして明朗なジョーダンの各々のソロが引き継がれてゆきますとまあ独特の演奏になっていることが分ります。そして、ウィランの神経質そうな曲紹介の声とともに、ジョーダン作の3曲目 Jordu のカッコよい序奏が始まりますが、その後のジョーダンのソロがなかなか素晴らしく、また続くウィランも冷ややかに醒めつつもメロディックに歌い上げまして、ドーハムがまたいつものごとくブルージーに渋いソロを聞かせてくれるのですね。

　そして、タッド・ダメロン作の4曲目 Lady Bird がとてもよい具合です。少し早めのミディアム・テンポに乗って3者のこれぞハード・バップと言える快調なソロが聞けるのですね。会場からも掛け声が起こるようないい雰囲気になってます。特にウィランのテナーはメリハリがきいて豪快ながら繊細にメロディを紡ぐ好演。

1. Besame Mucho
2. Stablemates
3. Jordu
4. Lady Bird
5. Lotus Blossom *
6. Everything Happens To Me *
7. I'll Remember April *
8. Temoin Dans La Ville *　（彼奴らを殺せ）

Barney Wilen (ts), Kenny Dorham (tp), Duke Jordan (p), Paul Rovere (b), Daniel Humair (ds), Recorded on Aipl. 24&25, 1959.

詳しくはアマゾンでどうぞ。→ バルネ・ウィラン/バルネ

関連エントリはこちら。
　→バルネ・ウィラン/エッセンシャル・バラード
　→ルイ・マル/死刑台のエレベーター

　50年代後半のソニー・ロリンズのテナーサックスはモダン・ジャズの典型と言えるでしょう。この時期のロリンズは多くの録音を残していますが、本作はそれらの中でも定評ある名盤中の名盤ですね。個人的にも『ビレッジバンガードの夜』や『ウェイ・アウト・ウエスト』らのピアノレス演奏と同等の位置を占めます。

　この『サキソフォン・コロッサス』の魅力は、やはりロリンズの圧倒的なインプロビゼーションの素晴らしさにありまして、ブルース調の早めのテンポの曲を男らしく縦横に吹き切る、その気風のよさとソロ演奏のかっこよさですね。

　例えば、5曲目 Blue Seven でのベース次いでドラムとによる長いイントロの後に満を持して出てくるロリンズの渋いテーマ提示とそれに次ぐリズムに乗った圧巻のアドリブ・ソロには素晴らしいジャズのみが有する品格が端的に示されているように思います。何てイカした音楽でしょう。バッキングのトミー・フラナガンのピアノがまた背後で微妙な陰翳を刻んでいます。

　2曲目 You Don't Know What Love Is ではいきなりロリンズのテナーからスタートしてテーマ紹介後に聞かれるソロは起伏に富んだ何と凄みのあるテナーでしょう。その後のフラナガンのソロは対照的に優しく美しいものです。

　ドラムはマックス・ローチですが、この時期のロリンズはエルヴィン・ジョーンズやシェリー・マンなどいろいろな名手と共演していまして、ロリンズ名義のアルバムにおいてはその全体の特徴に彼らドラマーの個性がある程度反映しているように思えます。本作の印象は私にとって硬派で精密な感じとなりますが、それはまさにローチのドラミングの性質のように思われるのです。

　とにかくサムライのような潔さを感じるアルバムです。無駄をいっさい除いて直球の真剣勝負のみ。ロリンズの自信が全体を覆いつくしています。自分こそテナーの第一人者であり、最高のジャズを提供できると。

　50年代後半のハード・バップがモダン・ジャズの最も実り多い時代だと私は思っていますが、ロリンズを代表とする10人程度のジャズ・ジャイアンツが優れた録音を残すことでジャズの歴史を刻みました。本作はそうした秀逸な一枚に違いありません。

　数年して60年代に入ると回りの状況も一変し、ロリンズ自身の音楽も変わってゆかざるを得なかったというのですから、時代の流れに逆らえないとはいいながらちょっとかわいそうな気がします。

1 St. Thomas
2 You Don't Know What Love Is
3 Strode Rode
4 Moritat
5 Blue Seven

Sonny Rollins (ts), Tommy Flanagan (p), Doug Watkins (b), Max Roach (ds). Recorded on Jun 22 1956.

iTunes Music Store では試聴可能です。→

詳しくはアマゾンでどうぞ。→ Sonny Rollins / Saxophone Colossus

関連エントリはこちら。
　→ソニー・ロリンズ/ヴィレッジバンガードの夜(1957)
　→ソニー・ロリンズ/ウエイ・アウト・ウエスト(1957)
　→ ソニー・ロリンズ/ソニー・ロリンズVol.2(1957)
　→ソニー・ロリンズ/テナー・マッドネス(1956)

　スタン・ゲッツ（1927-1991）こそは長く白人テナーの王様でしたが、50年前後の　｢スタン・ゲッツ・カルテット｣（Prestige）、｢ザ・サウンド｣、｢コンプリート・ルースト・セッション｣（Roost）らのアルバムで触れなば折れん風情のクールで美しいフレーズを奏でていましたが、52年にVerveに移籍してから豊かなイマジネーションはそのままに徐々にホットで豪放な奏法へとシフトしてゆくのでした。
　
　本作ではその変遷しつつあるゲッツの過渡期の演奏が聞かれます。私はクールなゲッツが大好きなのですけれど、多少ホットになってもメロディアスでアイデアに富んだインプロヴィゼーションは全く健在なわけで、後年のボサノバでの大ヒットに繋がりゆく片鱗が伺えるというものですね。

　いずれにせよバラード演奏は依然に独特の魅力を放っていまして、やはり素晴らしいとしか言いようがないのです。例えば、3曲目 'Tis Autumn や6曲目 Body and Soul、7曲目 Stars Fell on Alabama、12曲目 These Foolish Things らのスローバラッドでの美しいフレーズと優しい音色にはただただ感激するのみです。

　多少の違いを感じるのは少しアップテンポの曲調では力強いブローをしていることでしょうか。1曲目 Stella by Starlight や2曲目 Time on My Hands、4曲目 Way You Look Tonight などでは心地よいハードバップのセンスが光っていると思うのですね。 ゲッツほどの天性の卓越した技量をもってすれば、より自由にホットに吹きまくるというのが自然な姿なのだと思われます。

　若きデューク・ジョーダンのソロはほとんどありませんが、素敵なイントロ部分やバッキングで聞かれるピアノにその個性を少しは感じ取れるようです。やはりジョーダンのピアノは生来のデリカシーが光る演奏になっていると思うのですね。ゲッツが当時ずっと連れ添ったアル・ヘイグに少し近い感覚。ジミー・レイニーは以前よりゲッツの盟友、当然のごとく脇役に徹しています。

　ジャケットが印象的です。このアルバム、ジャケットでだいぶ得してるなと思う。

1. Stella by Starlight
2. Time on My Hands
3. 'Tis Autumn
4. Way You Look Tonight
5. Lover, Come Back to Me
6. Body and Soul
7. Stars Fell on Alabama
8. You Turned the Tables on Me
9. Thanks for the Memory
10. Hymn of the Orient
11. These Foolish Things
12. How Deep Is the Ocean?

Stan Getz (ts), Jimmy Raney (g), Duke Jordan (p), Bill Crow (b), Frank Isola (ds). Recorded at NYC on Dec. 12&29 1952.

iTunes Music Store では試聴可能です。→

詳細はアマゾンでどうぞ。→ スタン・ゲッツ/スタン・ゲッツ・プレイズ

関連エントリはこちら。
　→　スタン・ゲッツ/スタン・ゲッツ・クァルテット (1949, 50)
　→　スタン・ゲッツ/ザ・サウンド (1950, 51)
　→　スタン・ゲッツ/スタン・ゲッツ・プレイズ (1952)
　→　スタン・ゲッツ/スタン・ゲッツ＆ビル・エヴァンス (1964)
　→　スタン・ゲッツ/スウィート・レイン (1967)